{"id":84,"date":"2026-05-12T15:57:01","date_gmt":"2026-05-12T15:57:01","guid":{"rendered":"https:\/\/nipponproject.com\/np\/?p=84"},"modified":"2026-05-12T15:57:03","modified_gmt":"2026-05-12T15:57:03","slug":"dir-en-grey-mortal-downer-recensione","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/nipponproject.com\/np\/dir-en-grey-mortal-downer-recensione\/","title":{"rendered":"DIR EN GREY – MORTAL DOWNER: Recensione"},"content":{"rendered":"\n

I DIR EN GREY <\/strong>sono tornati l’8 aprile con MORTAL DOWNER<\/strong>, il dodicesimo album in studio della band e il primo a quasi quattro anni di distanza da PHALARIS<\/strong>. Mentre il gruppo si avvicina al suo trentesimo anniversario nel 2027, l’uscita arriva con un sommesso senso di peso e intenzione. MORTAL DOWNER non segue le aspettative stabilite dai suoi predecessori; trascina invece la sua mole su una tela sonora pi\u00f9 imponente. Ci\u00f2 che si dispiega sembra meno una continuazione e pi\u00f9 una ricalibrazione di come i DIR EN GREY percepiscono la pesantezza…<\/p>\n\n\n\n

MORTAL DOWNER ha mette alla prova qualsiasi aspettativa sul significato della parola “pesante”. Analizzando la band nella sua evoluzione, partendo da Kisou<\/strong> e VULGAR<\/strong> nei primi anni 2000, attraverso le vette progressive di UROBOROS<\/strong> e DUM SPIRO SPERO<\/strong> negli anni 2010, fino alla forma portata avanti con PHALARIS<\/strong> nel 2022, un ascoltatore attento potrebbe pensare di averne compreso la gamma. Ma non \u00e8 cos\u00ec.<\/p>\n\n\n\n

I DIR EN GREY hanno sempre reinventato il proprio sound pur orbitando attorno allo stesso nucleo tematico: il dolore umano<\/strong>. MORTAL DOWNER sembra una nuova sfaccettatura di quell’ identit\u00e0. Gli elementi progressive rimangono, ma sono fusi con influenze doom<\/em> e sludge<\/em>. Il ritmo rallenta. Il batterista Shinya guida l’album con un peso misurato, quasi processionale. Abbiamo avvertito per la prima volta questo cambiamento in The Devil In Me<\/strong> due anni fa; col senno di poi, quel singolo si legge come un progetto architettonico. Attraverso 14 tracce, l’album espande quel tono soffocante: meno aggressione lacerante, pi\u00f9 un martellamento costante.<\/p>\n\n\n\n

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Il cantante Kyo ha descritto la “pesantezza” come l’emozione centrale dietro l’album, ed essa definisce l’intera esperienza d’ascolto<\/strong>. ISOLATION<\/em> si apre con un pianoforte malinconico contro trame di synth a dente di sega, trascinandoci in uno spazio che sembra gi\u00e0 pesante prima ancora che venga cantata una sola parola. Kaijin ni Kisu<\/em> segue con un riff di chitarra ritmato che ricorda la band progressive metal Tool e immagini di una scia di formiche che conduce a un cadavere martoriato, rafforzando il tema del ritorno in cenere. Discard<\/em>, rivelata per la prima volta durante il tour nazionale della band nel 2025, pende verso il nichilismo e il vuoto emotivo. Il suo piglio abrasivo e il ritmo riecheggiano l’atmosfera psichedelica e shoegaze degli Smashing Pumpkins anni ’90, reinquadrata attraverso la lente dei DIR EN GREY. <\/p>\n\n\n\n

Hizumi to Ame ha attirato subito l’attenzione. Il basso di Toshiya porta un tono distintamente elettronico, accoppiato alle chitarre pulite ed eteree di Kaoru e Die. Kyo passa con disinvoltura da versi contenuti a scream groove. Ci\u00f2 conferma quanto controllo mantenga sulla sua estensione, a prescindere dal tappeto sonoro.<\/p>\n\n\n\n

Un’ Evoluzione che Richiede Tempo<\/h2>\n\n\n\n

La band ha descritto l’album come “non per tutti”, e la cosa trova riscontro al primo ascolto. Richiede tempo.<\/strong> EN\u2019EN <\/em>si avvolge lentamente, come se si stringesse attorno alla sua preda, riflettendo l’immaginario serpentino del kanji del titolo ( \u6028\u6028<\/strong> : una sofferenza lunga e senza fine, carica di rancore). Quella tensione avvincente sboccia in uno dei ritornelli pi\u00f9 belli che abbiano mai scritto. Demand<\/em> rivisita il fraseggio da valzer barocco gi\u00e0 sentito in brani come Doukoku to Sarinu<\/em> (da UROBOROS) e Celebrate Empty Howls<\/em> (da The Insulated World). MOBS<\/em>, accompagnata dal suo recente video, si dispiega come una colonna sonora cinematografica. Mentre il testo rimane relativamente ambiguo, il video ritrae un sacrificio infantile, incentrato su una madre che si \u00e8 arresa a un culto, mentre il rituale le strappa via la figlia in lacrime. Il brano cresce verso un massiccio climax orchestrale che persiste a lungo dopo la fine.<\/p>\n\n\n\n

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